Les prochains concerts de la saison 2026 – 2027

Cindy Castillo et Frédéric d’Ursel réunis autour de Jean-Sébastien Bach : un concert pour orgue et violon le 13 décembre à l’église de Glabais

Le 13 décembre prochain à 17 heures, l’organiste Cindy Castillo et le violoniste Frédéric d’Ursel vous invitent à un moment de musique de chambre autour de l’un des sommets du répertoire baroque : trois sonates pour violon et orgue de Jean-Sébastien Bach (1685 – 1750).

Un dialogue d’égal à égal

Dans ces sonates, Bach a bouleversé les usages de son temps. Le clavier n’y est plus un simple accompagnateur : il tient sa propre partie, écrite note par note, et dialogue avec le violon à armes égales. Les deux voix se répondent, s’imitent, s’entrelacent et se relancent, dans une écriture à la fois rigoureuse et profondément expressive. Ce dialogue exige des interprètes une écoute de chaque instant, et c’est là que la complicité des deux musiciens prend tout son sens.

Cindy Castillo se distingue sur la scène de l’orgue par des programmes qui explorent les croisements entre l’instrument et d’autres langages artistiques (musique électronique, poésie, vidéo) ou qui proposent un regard renouvelé sur le répertoire. Diplômée des Conservatoires de Bruxelles, Namur, Strasbourg et Paris, elle a notamment étudié avec Benoît Mernier, Michel Bouvard et Olivier Latry. Lauréate de plusieurs fondations et Premier prix du Concours National Axion Classics, elle a été artiste en résidence au Sapporo Concert Hall (Japon) en 2008-2009. Nommée « Namuroise de l’année 2024 » (section Patrimoine), elle est artiste associée des Festivals de Wallonie en 2025.

Très attachée à Namur, elle y occupe deux fonctions complémentaires. Depuis 2023, elle est conservatrice titulaire et directrice artistique des nouveaux orgues Thomas de l’église Saint-Loup, où elle veille à la vie de l’instrument et à sa programmation. Elle y enseigne aussi l’orgue à l’Institut Royal Supérieur de Musique et de Pédagogie (IMEP), dans le cadre du projet OrgueStudio, et transmet ainsi son expérience aux jeunes organistes.

Sa discographie fait la part belle aux compositeurs belges (Franck, Jongen, Ledoux, Deleuze, Slinckx, Denuc…), ainsi qu’à Bach (L’Offrande musicale) et à Johann Michael Bach (Orgelbüchlein, label Ricercar). Son album Fragments a reçu en 2025 l’Octave de la musique contemporaine. Très investie dans la création, elle collabore avec les compositeurs d’aujourd’hui et a imaginé le Lab’Organetto, un laboratoire nomade autour de l’orgue portatif.

Formé auprès d’Edith Volckaert, puis au Conservatoire de Bruxelles dans la classe de Philippe Hirshhorn, Frédéric d’Ursel participe en 1985 et 1986 au Festival d’été de Tanglewood (États-Unis), où il joue sous la direction de Leonard Bernstein, notamment. En orchestre, il a été dirigé par des chefs tels que Sir Colin Davis, Christopher Hogwood, Philippe Herreweghe, Antonio Pappano ou Emmanuel Krivine.

Membre fondateur de l’Ensemble Oxalys (1993), il se produit dans le monde entier, du Concertgebouw d’Amsterdam au Teatro Colón de Buenos Aires, en passant par le Konzerthaus de Berlin, le Conservatoire de Moscou et la Library of Congress de Washington. Il enseigne le violon au Conservatoire Royal de Bruxelles depuis 2000.

Au programme

Sonate n° 3 en mi majeur, BWV 1016

Sonate n° 5 en fa mineur, BWV 1018

Sonate n° 6 en sol majeur, BWV 1019

Trois sonates, trois climats : la lumière chantante du mi majeur, la gravité intérieure du fa mineur, puis l’éclat du sol majeur, où l’orgue s’offre même un mouvement en solo avant de retrouver le violon pour un final plein d’élan.

Un piano pour le bleu et la nuit
Musique à Glabais accueille deux jeunes pianistes d’exception, Cassandre Marfin et Mara Dobresco, pour un festival placé sous le signe du bleu.

Le bleu ne se laisse jamais saisir tout à fait. Couleur de l’eau, du ciel et de la nuit, il est aussi celle du rêve, du mystère et de la spiritualité. Ce programme en explore quelques-unes des infinies nuances.

Cassandre Marfin ouvre cette traversée avec Jusqu’à la nuit – Le bleu, un projet consacré aux correspondances entre le son, la couleur et la lumière. Chez Messiaen, Scriabine ou Amy Beach, le bleu devient matière sonore : celle du rêve, des paysages immobiles et de l’invisible.

La pianiste Mara Dobresco lui répond en explorant le bleu de l’eau et celui de la nuit, à travers des œuvres de Grieg, Janáček, Touchard, Schumann, Bartók et Enesco. Un monde nocturne, immense, mystérieux et spirituel s’ouvre alors.

Bleu du rêve, bleu de la mer, bleu spirituel : sous des lumières changeantes, cette couleur devient tour à tour paysage, émotion et silence.

Les artistes

Cassandre Marfin – Formée au Conservatoire royal de Bruxelles, où elle obtient un Master avec Grande Distinction, Cassandre Marfin est lauréate du Concours des Lauréats et du Concours Honda for Classical Music (2019). Passionnée par les compositeurs du XXe siècle et d’aujourd’hui, elle consacre un premier album à Messiaen, Entre Plumes et Lumières (2021), puis développe un projet discographique en trois volets autour du son, de la couleur et de la lumière, dont le premier opus est paru chez Cypres en octobre 2025. Elle se produit en récital et en musique de chambre en Belgique et à l’étranger (Festival de Stavelot, Midis-Minimes, Paris, Berlin), organise le festival Les Nocturnes au Conservatoire royal de Bruxelles, partage la scène avec Alex Vizorek dans Le Carnaval des animaux et enseigne notamment au Conservatoire royal de Mons.

Mara Dobresco – Pianiste franco-roumaine, enfant prodige jouant avec orchestre dès l’âge de 11 ans, Mara Dobresco est louée pour son tempérament et l’élégance de son phrasé. Soutenue par Martha Argerich, Jean-Claude Pennetier et Pierre-Laurent Aimard, elle donne des récitals dans toute l’Europe, ainsi qu’en Argentine, en Australie, au Japon et aux États-Unis, dans des salles comme la Cité de la Musique, le Concertgebouw d’Amsterdam, le Théâtre de la Monnaie ou Bozar, et dans de grands festivals (La Roque-d’Anthéron, La Folle Journée de Nantes, Aix-en-Provence). Elle a su se tracer un chemin très personnel en croisant la musique avec le théâtre, la danse, la littérature et la photographie, notamment aux côtés de Denis Lavant et de Béatrice Massin. Fervente interprète du répertoire contemporain, elle est la dédicataire de plusieurs œuvres d’Oscar Strasnoy et joue au sein du Quatuor Face à Face et de l’Ensemble K.

Et si les frontières entre musique classique et traditions populaires n’avaient jamais existé ?

Avec Racines Nomades, Joëlle Strauss invite le public à un voyage musical où les grandes pages du répertoire dialoguent avec les traditions populaires européennes. De l’Europe du Nord aux rivages de la Méditerranée, les mélodies se répondent, se transforment et révèlent des liens souvent insoupçonnés.

Formée au répertoire classique dès son plus jeune âge, Joëlle Strauss a développé un univers artistique singulier, où la rigueur de l’école classique rencontre la vitalité des musiques traditionnelles dans une approche résolument contemporaine.

Au fil du concert, Mozart côtoie Kurt Weill, un tango de Jacob Gade rejoint l’énergie d’une danse irlandaise, tandis que les mélodies d’Europe de l’Est répondent aux couleurs de l’Espagne, de l’Italie ou des Balkans. Chaque œuvre, qu’elle appartienne au patrimoine savant ou populaire, est réinventée dans un langage personnel, sensible et raffiné.

Seule en scène, elle construit en direct de véritables paysages sonores grâce à ses loopers : le violon, la voix et le piano se superposent progressivement jusqu’à créer l’illusion d’un ensemble. Le public assiste ainsi à la naissance de chaque orchestration, dans un dialogue permanent entre interprétation et création.

Les images qui accompagnent le concert sont issues des photographies de voyage réalisées par le père de Joëlle Strauss dans les années 1950. Entièrement retravaillées et réinterprétées par l’artiste dans un univers graphique contemporain, elles deviennent un véritable prolongement de la musique, mêlant mémoire familiale, création visuelle et voyage.

Racines Nomades est une invitation à redécouvrir les liens qui unissent les musiques d’Europe : un concert où tradition et création se répondent, où les frontières entre les styles s’effacent, et où chaque étape révèle une facette de l’ADN musical de son interprète.